Oswaldo Guayasamín Biografia e obras

Oswaldo Guayasamín (1919-1999) é um dos artistas mais importantes da América Latina, cujo trabalho foi exibido nas salas mais destacadas do mundo. Sua arte tem um profundo sentimento indígena com uma posição ideológica e pictórica característica do continente americano: realismo social.

Nascido em Quito e formado sob os cânones tradicionais da arte, Guayasamín rompeu com esses esquemas para capturar a realidade dos povos nativos da América Latina que sofreram de opressão, bem como os ataques da colônia e miscigenação.

Em um estilo expressionista, as criações desse artista equatoriano foram nutridas pelos muralistas mexicanos em relação à expressividade, uso de cor e força que transmitem, para deixar o observador o sentimento da energia vital do autor e, dessa maneira, dessa maneira, saiba seu protesto.

Além dessa essência indigenista, seu trabalho também é caracterizado por se apropriar das tendências de avant -como cubismo e expressionismo, sem perder o realismo de mostrar uma realidade da violência que denunciou.

Biografia

Oswaldo Guayasamín nasceu em Quito em 6 de julho de 1919 e era o irmão mais velho de uma família de dez. Seu pai, José Miguel Guayasamín, era um indígena da tribo Quechua; Enquanto sua mãe, que respondeu ao nome Dolores Calero, era mestizo.

Desde tenra idade, ele demonstrou seu amor pela pintura ao realizar desenhos animados de seus colegas de classe e ao preparar as lojas da loja que sua mãe correu. Além disso, ele pintou pinturas em pedaços de papelão que ele vendeu aos turistas para pagar seus estudos.

Apesar da firme oposição de seu pai, o jovem Guayasamín se matriculou na Escola de Belas Artes do Equador, do qual se formou como pintor e escultor em 1941, também recebendo o reconhecimento de ser o melhor aluno em sua promoção.

Apenas um ano após a formatura, ele conseguiu fazer sua primeira exposição na capital equatoriana. Esta amostra foi marcada por seu caráter de reclamação social, por isso causou alvoroço entre os participantes e as críticas da época.

Com esse estilo em particular, o jovem Guayasamín conseguiu cativar Nelson Rockefeller, que comprou várias pinturas e o apoiou em seu futuro.

Internacionalização

Após essa exposição controversa e com o apoio de Rockefeller, Guayasamín mudou -se para os Estados Unidos, onde também expôs suas pinturas. Durante os 7 meses de sua estadia, ele visitou todos os museus que pôde para entrar em contato direto com o trabalho de El Greco, Goya, Velásquez e o muralista mexicano Diego Rivera e Orozco.

Com o dinheiro que ele conseguiu fazer ao México para conhecer um grande professor, o muralista Orozco, que atingiu seu talento, permitiu que ele fosse seu assistente. Nesta visita, ele também conheceu Diego Rivera e ambos aprenderam a técnica de pintar o afresco.  No México, ele se tornou amigo de Pablo Neruda.

Em 1945, ele fez uma viagem transcendental: do México à Patagônia. Nesta jornada, cada cidade e cada cidade viajaram para fazer anotações e desenhos do que foi sua primeira série de 103 pinturas chamadas Huacayñan, Que em Quechua significa "o caminho do choro", cujo tema é sobre preto, indiano e mestiço.

Dessa forma, todo o seu trabalho começou a ativar o tema indígena, sobre a opressão e a violência da qual os povos indígenas foram vítimas.

O trabalho monumental O caminho do Clain Foi feito graças ao apoio que dei a Guayasamín a Casa da Cultura.

Esta série foi exposta pela primeira vez em Quito em 1952 no Museu de Arte Colonial e no mesmo ano em Washington e Barcelona (Espanha), durante o III Hispanoamérica de Artes. Neste último evento, o Grande Prêmio da Pintura foi premiado.

Presença em grandes construções

Além de ter exposições monumentais nos principais museus do mundo, o trabalho de Guayasamín também está presente em grandes construções.

Por exemplo, um mural de mosaico de cristal veneziano tem sido desde 1954 no Simón Bolívar Center em Caracas, que é chamado de Homenagem ao homem americano.

Para seu país natal, ele fez dois murais impressionantes em 1958. O primeiro é A descoberta do rio Amazonas, Também preparado em mosaico veneziano, que fica no palácio do governo de Quito. O outro foi realizado para a Escola de Direito da Universidade Central do Equador que é chamada História do homem e cultura.

Em 1982, um mural de mais de 120 metros que Guayasamín pintou com poeira de mármore e acrílicos foi inaugurado no aeroporto de Barajas em Madri. Este trabalho monumental tem duas partes: uma é dedicada à Espanha e a outra para a América.

Seu trabalho também está presente na sede da UNESCO em Paris e São Paulo. Também seus monumentos decoram o Equador: Para a jovem pátria está em Guayaquil e Para resistência Em Quito.

Principal Reconhecimento e Morte

Graças ao seu trabalho prolífico, seu caráter de denúncia social e sua transcendência universal, Guayasamín recebeu numerosos prêmios e reconhecimentos de sua carreira.

Seu trabalho foi reconhecido em todo o mundo que, em 1957, ele recebeu o melhor pintor da América do Sul, que a bienal de São Paulo, Brasil, concedeu a ele. Isso marcou a consolidação de sua internacionalização.

Em 1976, ele criou com seus filhos a Fundação Guayasamín, para doar para o Equador de sua herança artística. Através desta fundação, ele poderia organizar três museus: arte pré -colombiana, arte colônia e arte contemporânea.

Ele foi nomeado membro da Academia Real de Belas Artes de San Fernando na Espanha e membro da Honor da Academia de Artes da Itália. Ele também foi nomeado vice -presidente e depois presidente da Câmara da Cultura de Quito em 1973.

Além disso, ele foi o primeiro artista latino -americano que recebeu uma decoração do governo da França; Isso aconteceu em 1974.

Ele morreu em 10 de março de 1999 sem completar seu maior trabalho, A capela do homem, que foi concebido pelo artista como uma homenagem à humanidade, particularmente ao povo latino -americano. Este é um museu de arte construído em Quito que pretende reunir arte latino -americana do México para a Patagônia.

A primeira fase do espaço monumental arquitetônico foi inaugurado em 2002. A UNESCO o declarou como uma "prioridade para a cultura", por isso recebeu inúmeras contribuições de outros estados e outros artistas proeminentes em todo o mundo.

Tocam

A produção de Guayasamín é marcada desde o seu início por seu profundo espírito indígena e é carregado com um alto conteúdo de reclamação social. Ele poderia transferir as fronteiras dos cânones tradicionais e se tornar um dos defensores mais firmes dos povos nativos da América Latina.

Para desenvolver seu estilo pessoal, ele bebeu da influência dos muralistas mexicanos, particularmente seu professor Orozco. Foi também um expositor fervoroso do expressionismo, que deu a toda a sua criação um corte humanista refletindo a dor e o sofrimento que uma boa parte da humanidade sofre.

Dessa forma, o trabalho de Guayasamín se inscreve.

Por esse motivo, esse pintor disse que “minha pintura é machucar, arranhar e atingir as pessoas do povo. Para mostrar o que o homem faz contra o homem ". Isso é particularmente evidenciado em seus rostos desfigurados e tristes que transmitem fortemente a dor de seu povo.

Nesse sentido, seu trabalho tem como centro a figura humana, com cores vibrantes e temas sociais.

Apesar de adaptar seu trabalho às experiências e técnicas deixadas pela fricção com grandes artistas da época, ele sempre manteve a expressão do sentimento humano em sua tela. É toda a sua criação, três idades podem ser diferenciadas, que são as seguintes:

O caminho do Clain

A Fundação Guayasamín conseguiu coletar algumas das primeiras criações do artista, que começaram a pintar e desenhar aos 7 anos. Quando ele entrou nos 12 anos na Escola de Belas Artes, ele cativou professores e colegas de classe com seu virtuosismo. Já nessa idade começou a trabalhar o tema social que mais tarde marcou sua carreira.

O que é considerado como seu primeiro estágio é o que é chamado de sua primeira série: o caminho chorando.

Este estágio ocorre entre 1945 e 1952 e está concentrado principalmente na viagem que ele fez com seus amigos por toda a América do Sul, na qual ele parou para visitar cada cidade para apreender sua realidade.

Graças às anotações e desenhos que ele fez durante a jornada, ele legou o mundo Huacayñan, ou o caminho chorando, Sua primeira série de 103 pinturas nas quais o problema dos índios, negros e mestiços através de arquétipos universais que aparecem em cenários com simbologia ancestral, como a lua, o sol e as montanhas.

Com todo o seu fardo simbólico universal, esta série foi quem lhe deu um lugar nas artes mundiais.

A idade de raiva

Nesta fase, ele desenvolveu durante os anos 60, Guayasamín mostrou que o conteúdo estético não é a coisa importante em seu trabalho, mas o conteúdo social, a mensagem de um homem contra a opressão, violência e sofrimento.

A origem desta denúncia remonta quando em sua juventude um amigo de infância foi morto pela repressão em Quito. A partir daí, o artista empreendeu a cruzada para retratar a violência do homem contra o homem para deixar uma mensagem de rebelião e combater a alienação.

Esta rebelião é revelada aos olhos de suas figuras, que choram por uma mudança. Seus números têm uma dor, apesar da serenidade que eles demonstram, suas mãos choram por uma esperança.  Tudo isso se reflete com enormes golpes verticais para marcar mais a dor.

Com este trabalho, Guayasamín sacudiu o mundo, destacando toda a crueldade do homem durante o século XX. É por isso que ele conseguiu exibir nas principais cidades ocidentais do mundo, causando um agitação tanto nos críticos quanto na comunidade.

De ternura

Este ciclo começou nos anos 80 como uma homenagem a sua mãe, figura transcendental em sua vida, que declarou seu amor e obrigado por sempre apoiá -lo.

Essa série marca uma mudança no trabalho do artista sem esse significado de que as figuras, agora mais serenas do que antes, perderam em certa medida sua mensagem de denúncia e crítica.

A era da ternura, ou Enquanto vive, sempre me lembro de você, É composto por 100 obras cujo centro é uma homenagem a sua mãe; De fato, ele geralmente se refere à figura materna, incluindo a Mãe Terra.

Este conjunto também é considerado uma música para os direitos humanos. Este é o último trabalho que ele ocupou, de 1988 a 1999.

Por seu estilo estético peculiar, mas especialmente por seu tema focado em deixar uma mensagem de rebelião e denuncia a humanidade, Guayasamín alcançou com sua arte para transferir as fronteiras de seu Equador Nativo e ocupar um assento de honra em artes universais.

Isso foi assim, graças ao fato de que sua criação tem uma expressividade particular do tempo que teve que viver, para transmitir uma mensagem que despertou a consciência da humanidade e conseguiu gerar o grito de rebelião.

Referências

1. "Biografia" na capela do homem. Recuperado em 10 de janeiro de 2019 da capela do homem: Capilladel Man.com
2. Buitrón, g. "Oswaldo Guayasamín" (agosto de 2008) em "Ensaios sobre a imagem" da Universidade de Palermo. Recuperado em 10 de janeiro de 2019 pela Universidade de Palermo: Palermo.Edu